sábado, 10 de diciembre de 2011

Salvador Dalí

1904: Nació en el número 20 de la calle Monturiol, Figueras, Gerona (España), el 11 de mayo, a las 8 horas y 45 minutos de la mañana, como Salvador, Domingo, Felipe, Jacinto Dalí, hijo de Salvador Dalí i Cusí, notario, y e Felipa Doménech. 
Casa de familiares en Llanes (1918)
1911: Escuela pública. 
1913: Estudios en los Hermanos de la Doctrina Cristiana. 
1914: Primera pintura. Autorretrato: Niño enfermo. Convalecencia en casa de los Pichot, amigos de la familia Dalí; Salvador queda sorprendido por la pintura impresionista de Ramón Pichot. A los diez años, entra como alumno en el colegio de los Maristas de Figueras. 

1916: Dalí sigue los cursos de dibujo del profesor Juan Núñez, a quien venera. 
1918 - 1919: Su pintura parece influida por Modesto Urgell, Ramón Pichot, Mariano Fortuny y algunos pintores realistas del siglo XIX. Es tentado por el impresionismo y por el puntillismo. Lee la revista L'Esprit nouveau y descubre el cubismo y a Juan Gris. Expone dos cuadros, con treinta artistas locales, en el teatro de Figueras. Los críticos alaban sus obras. Realiza un cartel para la fiesta de Figueras: Fires i Festes de la Santa Creu. 
Cadaqués visto desde la Torre de les Creus (1923)
"...descubría el cubismo y me apasionaba por Juan Gris a través de los artículos de la revista "L'Espirit Nouveau", a la cual estaba suscrito. Devoraba los libros. Después de asistir a las clases de los Hermanos de las escuelas Cristianas, había entrado en la de los Maristas para seguir mis estudios secundarios. Pero al margen del programa, yo leía con pasión a Nietzsche, el Diccionario filosófico de Voltaire, y sobre a todo a Kant, cuyo imperativo categórico me parecía incomprensible y me sumía en profundas reflexiones. Rumiaba mucho tiempo sobre los textos de Spinoza y de Descartes. Acumulaba así buena cantidad de material especulativo y sembraba los gérmenes de reflexión profunda que un día debían constituir la base de mi metodología filosófica. Mis ideas eran todavía cortas, aunque mis cabellos y mis patillas se habían hecho largos. Para contrastar todavía más con mi rostro delgado y oliváceo, llevaba una corbata de lazo. Mi atuendo lo formaba una blusa de marinero y unos pantalones anchos con bandas hasta las rodillas. Una pipa de espuma, cuya cazoleta representaba una cabeza de árabe de amplia sonrisa, y una aguja de corbata montada con una moneda griega eran mis adminículos usuales. Mi atuendo causaba sensación y mi talento intrigaba".
Mujer mirando por la ventana (1925)
1919: Entre enero y junio, edita con unos compañeros la revista Studíum, donde lleva la sección de los grandes maestros de la pintura. Comienza a pintar a la aguada. Participa en la agitación política estudiantil. Queda detenido por veinticuatro horas. 
1920: Su pintura recibe la influencia de los futuristas italianos. 
1921-1922: Frecuenta la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, escuela de pintura, de escultura y de dibujo en Madrid. Conoce a García Lorca y a Luis Buñuel. Pasa de una vida monacal y estudiosa y de una actitud vestimentaria de «artista», a la existencia y a los trajes de dandy. Pinta clásicamente: Retrato de mi tía, El paseo del vergel en Cadaqués, Autorretrato del artista en su caballete, Autorretrato con cuello de Rafael, Botijo. 
En octubre, expone ocho telas en Galerías Dalmau de Barcelona, en una exposición de jóvenes artistas de la Escuela de Bellas Artes. 
1923: Es influido por la escuela metafísica de los pintores italianos: Giorgio De Chirico y Carlo Carra. Es expulsado por un año de la Escuela de San Fernando por incitar a los estudiantes a protestar contra el nombramiento de un profesor. Como medida de prevención política, se le encierra durante un mes en la prisión de Figueras. 
1924: Ilustraciones para Les bruixes de Llers, de Fages de Climent. 
Pasa las vacaciones en Cadaqués con García Lorca. 


1925: Retorno a la Escuela de San Fernando. Del 14 al 27 de noviembre, primera exposición personal en Galerías Dalmau (diecisiete telas y cinco dibujos). Retratos de su padre, de su hermana, paisajes de Cadaqués. (En el programa cita esta frase de Ingres: «El dibujo es la probidad del arte»). 
Experiencia cubista: pinta Arlequín, Botellita de Mujer acostada y Venus Y el marino. 
Muchacha de Figueras (1926)
1926-1927: Es expulsado definitivamente de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando por real decreto del 20 de octubre de 1926, debido a su comportamiento extravagante, pese a que sus notas son excelentes. Olvida deliberadamente sus maletas en Madrid, para cortar con su reciente pasado. Del 31 de Diciembre de 1926 al 14 de Enero de 1927, segunda exposición en Galerías Dalmau (veinte telas y siete dibujos). 
1926-1929: Contribución al periódico L'Amic de les Arts (Gazeta de Sitges). Pinta una Muchacha del Ampurdán, de nalgas rodantes, que llevará más tarde a París para mostrársela a Picasso, y una Cesta de pan, expuesta en Dalmau, que será escogida y enviada al Instituto Carnegie de Pittsburgh.

1927: Nueve meses de servicio militar de «cuota». Primer viaje a París, con su hermana y su tía. 
Pájaro putrefacto (1928)
Visita Versalles, el Museo Grévin, y conoce a Picasso. 
Pinta el Arlequín, la Naturaleza muerta al claro de luna y los decorados para la obra de García Lorca, Mariana Pineda además de La miel es más dulce que la sangre, primera tela surrealista, bautizada primero por García Lorca como El bosque de los aparatos.


1934: El 6 de octubre, en el transcurso de una conferencia en Barcelona, coincide con la «declaración del Estat Catalá dentro de la República federal Española». 
Huye de Cataluña junto con Gala y el marchante Dalmau. 
Del 24 de Noviembre al 10 de Diciembre, primera exposición en Londres, en la 
Galería Zwemmer (dieciséis telas, veinte dibujos, diecisiete grabados).

Un conflicto con André Breton provoca su condena por el movimiento surrealista. 

Ilustra, con 42 grabados, por indicación de Picasso, Les Chants de Maldoror, de Lautréamont (Skira). 
Primer viaje a Nueva York: edita una serie de ilustraciones dedicadas a la ciudad, que aparecen en el American Weekly del 24 de febrero al 5 de julio. 
Pinta Violetas imperiales, El momento sublime, Caballo ciego masticando un teléfono. 
De regreso a Portlligat, pinta Imagen mediúmnica paranoica. 
Importante contribución a los Cahiers d'Art y particularmente «Honneur á I'objet». (Aparecido en el Vol. XI, núms. 1 y 2 de 1936.) 
Pinta Figuras instantáneas aparecidas en la playa de Rosas. 
La imagen desaparece (1938)

Expresa una gran curiosidad por Lenin y un renovado interés por el Angelus de Millet. 
Se interesa por Hitler y por el teléfono. 
1935: Con La conquéte de I'irrationnel (Editions Surréalistes) define la actividad paranoico-crítica como «método espontáneo de conocimiento irracional basado en la asociación crítico-interpretativa del fenómeno delirante». 
1936: En Agosto recibe la noticia de la muerte de Lorca. 
Pinta: Retrete antropomórfico, Alrededores de la ciudad paranoio-crítica, Tarde al margen de la historia europea, e inventa la Venus de Milo con cajones. 
Segundo viaje a Estados Unidos: la portada del Time's Magazine aparece dedicada a él. 
Realiza un escaparate para los grandes almacenes Bonwit-Teller que más tarde se encarga de destruir, en un arranque de rabia, al comprobar que han cambiado la disposición original por él ideada. 
Una grave crisis psíquica parece trastornar la existencia de Dalí en esta época. 
Parte para Portlligat y luego Austria. 
"Lorca no era miembro de ningún partido. En Agosto del 36, cerca de Granada, fue literalmente raptado. No se encontraron ni su cuerpo ni su tumba, como el mismo había predicho en un poema. El terror de la más horrible pesadilla extendía su garra de hierro por todo el país. Cerré los ojos y me tapé las orejas para no saber nada, pero la historia de las más terroríficas atrocidades siempre conseguía llegar hasta mí y acosarme como una pesadilla". 
Retrato de Picasso (1947)

1937: Los alemanes bombardean Almería. Picasso pinta Guernica. 
Dalí pinta El sueño. Publica La Métamorphose de Narcisse (Editions Surréalistes) y un poema paranoico que ilustra su cuadro a doble imagen del mismo título. 
1937-1939: Tres viajes a Italia. Reside con el poeta F. W. Janes en Roma; luego, en Roma mismo, con lord Berners, y después en Florencia. Estudia a Palladio. Dalí queda muy influido por los pintores del Renacimiento y de la época barroca. Pinta El corredor de Palladio, y luego Recuerdos de Africa, El enigma sin fin, La playa encantada con tres gracias fluidas y Gala gradiva. 
Dalí conoce en Londres a Sigmund Freud, presentado por Stefan Zweig. Dibuja el retrato del gran psicoanalista sobre papel secante. 
1939: Tercer viaje a Estados Unidos. Dalí adquiere celebridad internacional al pasar a través del escaparate de Bonwit-Teller para protestar contra la modificación llevada a cabo en su escaparate. 
Publica un folleto: Declaración de "Independencia de la imaginación y de los derechos del hombre a su propia locura" para defender su sustitución de una cabeza de pescado sobre el torso de Botticelli en El sueño de Venus, decorado surrealista para la atracción creada por Dalí en la Feria Universal de Nueva York ese año. 
Representa, en el Metropolitan Opera, el ballet Bacchanal con decorados y trajes concebidos por Dalí para los ballets de Montecarlo. 
Hitler invade Polonia.
Retrato de Gala (1945)

Dalí se instala en Arcachon. Marcel Duchamp y Coco Chanel lo visitan. 
1940: Cuando los alemanes invaden Francia, pasa a España y visita a su padre: luego, desde Lisboa, a bordo del paquebote Excemption, parte para Estados Unidos, donde permanece hasta  
Comienza a pintar La resurrección de la carne, que tardará cinco años en terminar. Pinta Autorretrato blando con tocino asado, que traduce su nueva fórmula de vida americana. 
1941-1942: De noviembre a enero, primera gran exposición retrospectiva en el Museo de Arte de Nueva York (cuarenta y tres cuadros y diecisiete dibujos). De febrero de 1942 al 17 de mayo de 1943, esa misma exposición será presentada en ocho grandes ciudades americanas. 
Dalí concibe los decorados para varios ballets: Labyrinth (1941), El café de Chinitas(1944), Coloquio sentimental y Tristán loco (1944). 
1942: Escribe su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí (Editor: The Dial Press). 
Autorretrato blando con bacon frio (1941)

1943: Del 14 de abril al 5 de mayo, exposición de veintinueve obras presentadas por Knoedler, en Nueva York. 
Dalí termina los proyectos de tres frescos para el apartamento neoyorquino de Helena Rubinstein. 
1944-1948: Publica su novela Los rostros ocultos (The Dial Press). 
Ilustra numerosos libros: Mémoires fantastiques (1944), The Labyrinth (1945) de Maurice Sandoz, Macbeth (1946), Ensayos de Michel de Montaigne (1947), Como os gusté (1948), Autobiografía de Benvenuto Cellini (1948). 
1946-1965: Publica cuatro series de ilustraciones para Don Quijote, que aparecen entre 1946 y 1965. 
1948: Ilustra Cincuenta secretos del oficio de mago. 
Pinta Niño geopolítico observando el nacimiento del hombre nuevo. 
Luego, tras la explosión de la bomba atómica pinta Melancolía atómica, Dorso desnudo, Galarina. 
1948: Regreso a Europa, directamente a Portlligat. Comienza unos estudios para lo que él llama su «arte clásico y religioso». 
1948-1949: Primeras telas religiosas. Dos versiones de La Madona de Portlligat. La primera de ellas fue bendecida por el Papa. 
1951: Pinta el Cristo de san Juan de la Cruz, actualmente en el museo de Glasgow (Escocia). 
Cristo de San Juan de la Cruz (1951)

Escribe y publica el Manifeste Mystique (Editions Robert Godet). 
1952: Termina las ciento dos ilustraciones para La Divina Comedia de Dante. 
Emprende una gira de conferencias por siete estados americanos, sobre «El arte místico y nuclear». 
Pinta Leda atómica, Dalí a la edad de seis años cuando creía ser una niña en trance de levantar la piel del agua para ver un perro dormir a la sombra del mar, Cúpula formada con carretillas distorsionadas, Cabeza rafaélica explotando, Galatea en las esferas, Assumpta corpuscularia lapislazulina, Poesía de América. Comienza la escritura de una obra de teatro, Delirio erótico místico. 
Escribe las Ciento veinte jornadas de Sodoma del divino marqués al revés, en homenaje al marqués de Sade.
1965: Serie de ilustraciones para una nueva edición de la Biblia. Período de La Estación de Perpiñán. Trabaja sobre El arte en tres dimensiones, y crea su primera gran escultura: Busto de Dante. Medita sobre los hologramas y el rayo láser. 
"Cuando supe que un átomo de emulsión holográfica contenía la imagen entera de la tercera dimensión, incontinente, exclamé: "¡quiero comérmelo!" Esto ha asombrado más que de ordinario a todo el mundo, y sobre todo a mi amigo el profesor Dennis Gabor, premio Nobel de física en 1971. De esa manera, yo podía realizar, al menos en efigie, uno de mis más caros deseos: comer el ser adorado Gala, ingerir en mí, en mi organismo, unos átomos que contuvieran unas Galas holográficas sonrientes, nadando en el cabo de Creus". 
Galatea de las Esferas (1952)

1966: La más grande retrospectiva de obras de un solo artista viviente la hace Salvador Dalí en la Galería de Arte Moderno de Nueva York. Crea una serie de objetos pop: Esclavo de Miguel Ángel, Lilith, Smoking afrodisíaco, Primera máquina pensante. Publicación de Entretiens de Salvador Dalí avec Alain Bosquet. (Editions Pierre Belfond.) Escribe una Lettre ouverte á Salvador Dalí (Editions Albin MicheL). 
Termina el gran cuadro La pesca del atún. 
Ilustra los Poémes secrets de Guillaume Apollinalre, Alyah, Poeme de Mao-Tse-toung, Huit péchés capitaux. 
Publicación de La Biblia, ilustrada por Dalí (Rinoli). 
1968: Edición del Dalí de Draeger. 
Dalí ilustra a Pierre de Ronsard, y tres piezas inéditas del marqués de Sade. 
Publicación de las Passions selon Dali, por Louis Pauwels. 
1969: Dalí ilustra las Métamorphoses érotiques, Fausto, Tristán e Isolda, Carmen. 
Pinta Torero alucinógeno. 
1970: Comienza los «trabajos» del Museo Dali de Figueras. Dalí edita Dali, par Dali (Draeger), Importante retrospectiva que comprende la colección Edwards W. James, en el Museo Boymans de Rotterdam. 
Eco geológico La pietá (1981)

1971: Inauguración del Museo Dalí de Cleveland (Beachwood), Ohio, el 7 de, marzo. 
Retrospectiva en la Staadliche Kunsthanne, Baden Baden. 
Publicación de una antología de todos los escritos de Dalí bajo el título Oui, Dali (Denoél). 
Dalí ilustra la última obra de André Malraux: Roi, je t'attends á Babylone (Skira). 
Dalí termina el segundo gran panel del techo del Museo Dalí de Figueras. 
Exposición de grabados de Dalí Homenaje a Durero, en la Galería Vision Nouvelle de París. 
Dalí termina los techos del castillo de Gala. 
1972: Primera exposición de pinturas al óleo y de hologramas en tres dimensiones en la Galería Knoedler de Nueva York. 
Dalí esculpe Plato de Navidad, para Lincoln Mint. 
Dalí se consagra al grabado. 
1974: Inauguración solemne y oficial del Teatro-Museo Dalí, en Figueras.
1978: Estreno de la película "Babaouo" en el teatro del Museo Dalí de Figueras, basado en el libro del mismo título (1932). 

El torero alucinógeno (1970)
Dalí descubre los trabajos de René Thomm y la teoría de las catástrofes. 
Abril: Presenta sus pinturas hiperestereoscópicas en el museo Guggenheim. En Mayo es aceptado en la Academia de Bellas Artes de París. 
"El payaso no soy yo sino esta sociedad monstruosamente cínica y tan puerilmente inconciente, que juega al juego de la seriedad para disimular su locura. No lo repetiré bastante: yo no estoy loco. Mi lucidez ha alcanzado un nivel de calidad y de concentración que no existe en este siglo ninguna otra personalidad más heroica y más prodigiosa; excluyendo a Nietzsche (y repito, murió presa de la locura) no se encuentra un equivalente en los otros. Mi pintura es testimonio de ello". 
1979-1980: Retrospectivas en el Centro Georges Pompidou de París que muestra la instalación "La feria heroica" y en la Tate gallery de Londres. 
1982: El 10 de Junio muere Gala. Un mes más tarde Dalí es nombrado Marqués de Pubol, donde vive en lo sucesivo, en el castillo que había ofrecido a Gala. 
1983: Creación del perfume Dalí 
Retrospectivas en Madrid y Barcelona. 
En Mayo pinta su ultimo cuadro "La cola de golondrina". 
Su salud empeora considerablemente. 
1984: Dalí sufre quemaduras al incendiarse su dormitorio en el castillo de Pubol lo que despierta dudas en la opinión pública mundial sobre el cuidado que recibe el pintor por parte de sus más cercanos colaboradores. 
Se publica el libro "Dalí, la obra y el hombre" de Robert Descharnes. 
Retrospectiva en el Pallazo dei diamanti de Ferrara en Italia. 
1989: Muere el lunes 23 de Enero en la Torre Galatea, en la que vivió desde el incendio en Pubol. 
Reposa en la cripta de su Teatro Museo de Figueras. 
Por testamento, cede el conjunto de sus bienes y de su obra al estado Español.
 Cortometraje "un perro andaluz" realizado junto con su amigo Luis Buñuel en 1929
Animación "Destino" realizada en colaboración con Walt Disney en los años 40
Amplia entrevista de Soler Serrano a Dalí
Documental sobre Dalí
  

viernes, 23 de septiembre de 2011

Leonardo da Vinci

Autorretrato


Leonardo Da Vinci es uno de los grandes maestros del Renacimiento famoso como pintor , escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Encantado por el conocimiento y la investigación, sus innovaciones en la pintura determinarían la evolución del arte italiano, siendo sus investigaciones científicas sobre anatomía, óptica e hidráulica anticipos de los avances modernos"
Leonardo Da Vinci nació el 15 de abril de 1452 en Vinci era hijo ilegítimo de Ser Piero Di Antonio Da Vinci y de una campesina llamada Caterina, en el mismo año de su nacimiento su padre contraería matrimonio con Albiera di Giovanni Amadori, mientras que su madre biológica en 1457 se casaría con Acuattabriga di Piero Del Vacca.
La Mona Lisa
Comienza su aprendizaje en el taller de Andrea Verrochio, quien se destacaría más como escultor que como pintor, y posee en Florencia uno de los Talleres de Pintura más sobresalientes.
Hacia 1469 ya a temprana edad eran de destacar sus cualidades para el dibujo, su talento para este arte nos ha permitido observar hoy su maravilloso legado en cantidad de dibujos realizados por su ágil mano. Manejó de forma extraordinaria la punta de metal y la pluma hecho que se verifica por sus primeras obras realizadas en los años 70 (setenta) del siglo XV.
Los primeros trabajos de este tipo pueden haber sido realizados en el taller de Verrochio durante los años de su aprendizaje, pudiendo ser este el caso del dibujo de un lirio, que se supone es una obra de taller que se emplearía probablemente en un futuro cuadro, de la misma forma ocurriría con el dibujo de un viejo guerrero de perfil efectuado con estilete de plata realizado, se estima en 1472, de inspiración en los modelos antiguos, de hecho se cree se basaban en aquella época en modelos escultóricos para la realización de los dibujos, que de ese modo facilitaban el estudio detallado de los ropajes para posteriormente utilizarlos en las representaciones de sus cuadros. El hecho de que fueran modelos realizados meticulosamente y con diferentes técnicas sobre un lienzo resistente permitiría su uso posterior para los nuevos aspirantes al oficio de pintor.
En 1472 Leonardo Da Vinci entra a formar parte del Gremio de los Pintores de San Lucas en Florencia quedando así facultado para recibir encargos independientemente de su maestro.
Proporciones del Hombre
Realiza en 1473 un importante dibujo fechado el 5 de agosto de dicho año, que es hoy considerado como la primera representación autónoma de un paisaje en el arte.
En el siglo XV los artistas realizaban estudios de la naturaleza, así como de los modelos, para aplicarlos después a sus pinturas. El dibujo de Leonardo es conservado hoy en los Uffizi en la ciudad de Florencia, el paisaje reflejaría el valle del Arno y fue primeramente dibujado a lápiz y posteriormente en el taller fue terminado en plumilla.
Aún en 1472 y hacia 1480 seguía trabajando en el taller de su maestro Verrochio donde participa en la realización del cuadro titulado el "Bautismo de Cristo" que es obra de su maestro, la pintura se realizaría en dos etapas la primera con pintura al temple efectuada por Verrochio y la segunda al óleo realizada por Leonardo quien retoca la imagen de Cristo, que contrasta con la de Juan Bautista realizada por su maestro, por la delicadeza de los pases de color y además es donde pinta un ángel a la perfección, cuyos contornos difuminados contrastan con los mas marcados de Verrochio, así mismo ocurre con la vestimenta del ángel formando pliegues, hecho que sostiene la anécdota que dice que Verrochio habría dejado por tal motivo la pintura, pero esto no se podría confirmar, además existen algunos pocos cuadros posteriores a dicho evento. En el cuadro se notan las diferencias de estilo y de técnica entre Da Vinci y Verrochio, aunque sus primeras obras aun guardarían similitudes con las de su maestro.
Leonardo también colaboraría en la realización de "La Anunciación" que es una tabla donde se representa al Arcángel Gabriel arrodillado frente a la Virgen María sosteniendo un lirio en la mano izquierda actualmente se halla en los Uffizi de Florencia. También realiza el cuadro llamado "La Virgen del Clavel" que sería una obra autónoma de Leonardo, pero aún pintado en el taller de Verrochio con influencia de los pintores flamencos ( holandeses) en el paisaje de fondo, en estos años efectúa la "Madona Benois" de colorido más oscuro y detalles marcados de iluminación.
Leonardo en sus bocetos demuestra un interés enfatizado por las disponibilidades del movimiento y de la expresión de temáticas variadas, algunos son fruto de su fantasía y no podrán ser aplicados a cuadros.
El primer encargo importante lo comenzaría pero no lo concluiría, era una pintura de mediano tamaño para el altar de la Capilla de San Bernardo en el Palazzo Vecchio de Florencia hacia 1478 el encargo fue obtenido tal vez por la intervención de su padre Ser Piero.
La última cena
Alejándose del estilo de Verrochio, pinta entre 1478 y 1480 muy influenciado por la pintura flamenca el "Retrato de Ginebra Benci", siendo a su vez el primer cuadro que realiza de tema profano, es una obra pequeña en formato y en su reverso tiene la inscripción "Virtutem Forma Decorat" que significa "La Belleza es adorno de la Virtud", el cuadro es realizado para Bernardo Bembo, hecho que esta simbolizado por el empleo en la obra de las ramas de laurel y palmera que se hallarían en su escudo de armas.
En el siglo XV finalizados los años 70 parece empezar a destacar ya como pintor hecho que no fue fácil dado la excelencia de los pintores Florentinos como Sandro Botticelli y Ghirlandaio. Ahora hacia 1480 realizara la pintura de "San Jerónimo" que dejará inacabada, se aprecia a San Jerónimo penitente y arrodillado en el desierto y ubicado en el centro del cuadro. Estaría destinada al Altar de la Abadía en Florencia, ya en esta obra se hace notar el interés del pintor por la anatomía, sobre todo se destaca la fisonomía y fisiología.
Hacia 1481 otra vez por mediación de su padre se le encarga para el Altar Mayor de San Donato de Scopeto, el cuadro titulado "La Adoración de los Magos", donde se destaca la diversidad de movimientos y gestos de las figuras del cuadro, esta obra también quedaría inacabada, solo dejaría un dibujo sfumatto monocromo inconcluso.
Ahora en Milán hacia 1483 trabajaría para Ludovico Sforza desempeñándose como ingeniero militar, pintor y escultor, pero el primer encargo que recibiría en la ciudad sería para la Capilla de los monjes franciscanos de la Hermandad de la Inmaculada Concepción de María, que le encargaría la realización de una tabla denominada "La Virgen de las Rocas", realizará dos versiones de esta obra , una se encuentra en el Louvre y otra en la National Gallery de Londres. Funcionaba como cuadro tapadera, delante del nicho donde se hallaba la imagen de la Inmaculada que sería descubierta el día 8 de diciembre fecha de la Fiesta de la Inmaculada Concepción. En el cuadro se representa a María con el Niño, San Juan Bautista y un ángel. San Juan Bautista aparece destacado, talvez porque dicha hermandad franciscana lo tenía como centro de adoración además de adorar a Cristo, y a San Francisco adoraban también a San Juan Bautista, de este modo la hermandad se vería representada, en el pequeño San Juanito adorando a Jesús niño y siendo bendecido por este último y a su vez protegido por la mano derecha de María posada sobre el hombro del pequeño.
Al concluirse el retablo surgió un litigio en el cual participo Leonardo junto con los hermanos de Predis por el pago de la obra, dado que habían recibido una oferta mayor que la ofrecida por la hermandad.
Se realizo entonces una segunda versión de la obra que se halla en Londres, esta habría estado en la capilla de la Hermandad en San Francesco Grande en Milán durante el siglo XVI, mientras que la anterior versión de "La Virgen de las Rocas" se vendió quizás a Ludovico Sforza que la regalaría al rey de Francia.
Así alcanzaría su fama como pintor en Milán, pero todavía no obtendría el cargo de pintor de cámara hasta años posteriores.
En la segunda mitad de los años 80 se empeño en el dibujo de armas, máquinas sitiadoras y sistemas de defensa, además hacia 1487 - 1488 ofrece su talento como arquitecto proyectando edificios religiosos, para la catedral de Milán, por lo que se le pagaban pequeñas sumas de dinero, realizo proyectos para iglesias de planta central pero sin éxito.

Litta Madonna

Leonardo vuelve a la pintura en 1490 aproximadamente donde ejecuta la obra llamada "Madona Lita" de la cual su autoría esta en controversia, aunque existe un dibujo previo a la obra que si fue efectuado por el artista.
Leonardo Da Vinci ya como artista de la corte de Ludovico el Moro en Milán hacia 1487 y 1490 realiza complejos estudios de anatomía y de las proporciones, mientras que en la corte organiza fiestas y trabaja en el monumento ecuestre de Francesco Sforza que tampoco concluye. Se destaca por entonces como retratista y pinta la reconocida obra titulada "La Última Cena" en el refectorio del Convento de Santa María Delle Grazie entre 1495 -1497 a modo de escenario y bajo las reglas de la Perspectiva Central.
Antes en 1490 realiza el "Retrato de Cecilia Gallerani" y "La Belle Ferronière", este último de atribución dudosa al artista, así como también bajo la misma incógnita se halla el cuadro llamado "Retrato de un Músico" el joven estaría mirando hacia la derecha fuera del cuadro y el tronco orientado hacia la misma dirección, pero en el de las damas anteriores la mirada y el tronco estarían orientadas en direcciones opuestas hecho que caracteriza a Leonardo y también menciona en su Tratado de la Pintura.
Para la misma época el artista proyectaba la estatua ecuestre de Francesco en bronce hecho que se postergaba cada vez más y aproximadamente hacia 1489 si comienza a trabajar en la estatua , terminando un modelo en barro que superaba los 7 (siete) metros en 1492 que se convirtió posteriormente en decorativo para las fiestas de Boda de Bianca María Sforza con el emperador Maximiliano. Al ser el bronce que era necesario para su construcción empleado en la fundición para forjar cañones en 1494, lo único que llego a realizarse fue entonces el modelo en barro. Hoy se conservan los estudios realizados para el monumento (1488 - 1489) y dibujos del armazón del molde para la cabeza del caballo en 1491 -1493 en el llamado Códice de Madrid.
De esta forma los esfuerzos costosos para la ejecución del monumento ecuestre que no llego a realizarse, colocan a Leonardo en un lugar de privilegiado en la Corte de Ludovico en Milán, desempeñándose también en la instalación del sistema de calefacción para el palacio y en el diseño decorativo de las fiestas ha realizarse en el mismo lugar, además de su reconocido trabajo como pintor, de los que se destaca la realización de la pintura mural de "La Última Cena".
El último encargo de Ludovico Sforza es la Sala Delle Asse que se efectúa entre 1496 y 1498, decorada con ramas de árboles entrecruzadas y enlazadas entre sí, alrededor de un escudo que se halla en el centro de la bóveda y de cuatro paneles que contienen inscripciones, todos relacionados con la política y hechos privados del propio Ludovico, pero en 1499 las tropas francesas invaden el norte de Italia y culmina así el gobierno de Ludovico el Moro.
Después de este hecho Leonardo partiría hacia Mantua y Venecia en diciembre de 1499 quedando sin su protector que fuera derrocado en octubre de 1499 por las tropas francesas que invaden el norte de Italia.
Aún en Milán el rey Luis XII de Francia le encargaría un cuadro con "Santa Ana, San Juanito y la Virgen con el Niño Jesús", tal vez para su esposa, del que solo realizaría el boceto sobre cartón que se denomina Burlington House Cartoon y se encuentra en Londres en la National Gallery.
De aquí en más Leonardo emprende una vida de continuo peregrinar que empieza en Mantua, con Isabella D' Este. En diciembre de 1499 realiza el cartón con el boceto de Isabella de perfil, como indica la idea del retrato cortesano en Mantua, donde los contornos importantes se hallan perforados con una aguja fina para asegurar el traslado efectivo del retrato a la tabla pero se supone que esta obra no llegó a realizarse, dado que el artista viaja en marzo de 1500 a Venecia y en abril a Florencia.
Como contraparte de este retrato se halla el "estudio para retrato grotesco" de un hombre que realiza Leonardo hacia 1500 - 1505 es conocido como parte de las "cabezas grotescas", es el retrato de un gitano donde se marca la denotada expresividad del rostro.

Virgen con el niño, Santa Ana y Juan Bautista

En la ciudad de Florencia Leonardo Da Vinci para la Iglesia S.S. Anunciata realiza un encargo que primero proyectaría en cartón con "Santa Ana, María, Cristo y un cordero" que sería mostrado al público por los monjes servitas. Es casi probable que el cuadro que se encuentra hoy en el Louvre reconocido como "Sta Ana, la Virgen y el Niño" fuera realizado en los primeros años del siglo XVI, esta obra presenta un gran dinamismo en la ubicación de las figuras y un paisaje de fondo montañoso muy marcado.
En 1501 Leonardo pinta la Virgen del Huso para Florimond Robertet, el cuadro tendrá varias versiones, era un cuadro pequeño.
A comienzos del siglo XVI también el artista comienza a interesarse por la matemática y la geometría y mantenía una postura de resistencia ante los trabajos de pintura mostrándose muy lento para concluir las obras.
En 1502 trabajaría como ingeniero militar del general Cesar Borgía, con el recorre la zona central de Italia, durante aproximadamente un año y realiza estudios y esgrime dibujos geográficos a vista de pájaro para las campañas que tendrían un carácter estratégico- militar.
En marzo de 1503 regresa a Florencia donde retoma la pintura, con la obra reconocida llamada "La Gioconda" o "Mona Lisa" en 1479 que sería un retrato de Lisa del Giocondo por encargo de su esposo Francesco del Giocondo, por entonces Rafael Santi era un visitante asiduo del taller de Leonardo, quedando admirado por esta obra que se convertiría en modelo a seguir, pero Leonardo tampoco entregaría el retrato a Francesco del Giocondo y también se retrasó en su conclusión.
Es la ciudad de Florencia donde Leonardo se encuentra con otro de los más grandes artistas de todos los tiempos Miguel Ángel Buonarroti siendo este un hecho de trascendencia en la historia ambos se emplearían en la realización de las pinturas murales para la Sala del Consejo del Palacio de Gobierno de Florencia ( Palazzo Vecchio) en octubre de 1503 decide aceptar el encargo de realizar la pintura mural denominada "Batalla de Anghiari", al lado de esta Miguel Ángel realizaría la pintura "Batalla de Cascina", pero Leonardo dejaría inacabada la obra en 1506 y posteriormente fue destruida en el siglo XVI . En estas obras es de notar el contraste entre los dos artistas Leonardo daría una representación de violencia bélica entre los bandos de combate, mientras que Miguel Ángel enmarca su obra en el desnudo masculino, tal vez esto movilizo a Leonardo quien no gustaba anteriormente de dicha clase de representación, donde la musculatura sobresale casi exagerada, pero cambiaría de postura, dado que ahora el estilo que se buscaba en el Alto Renacimiento era el del héroe, y los cuerpos deberían de mostrarse más atléticos y con su musculatura marcada y rasgos fuertes masculinos.
En mayo de 1506 regresa a Milán por medio del gobernador francés Charles D' Amboise quien presenta una solicitud para que el artista pudiera ausentarse por un periodo de tres meses, pero este tiempo se extendería aun más como consecuencia de los problemas ocasionados por la realización de la "Virgen de las Rocas" que concluiría con una segunda representación de la misma obra para la Hermandad de la Inmaculada Concepción de Milán, la primera terminaría siendo regalada mientras que esta segunda visión es concluida en 1508 y hoy en día se encuentra en Londres.
En 1508 y hacia 1511 permanecerá en Milán principalmente al servicio del gobernador francés Charles D' Amboise, aún así realizaría pequeñas estadías en la ciudad de Florencia. En Milán ejercerá como arquitecto, realizara sistemas de riego y se dedicará también a la inconcluida obra denominada "Santa Ana , la Virgen y el Niño" para la misma época es de suponer la realización de la obra titulada "Leda y el Cisne" de la cual hoy solo se conservan copias mientras el original se considera perdida.
También se encargaría del proyecto para la realización de un monumento ecuestre para Trivulzio Giangiacomo, se trataría de la realización de un caballo encabritado, para el general, pero la obra sería de menor envergadura que la de Ludovico Sforza, pero por designio de Trivulzio, el proyecto después de años de ser planeado no se ejecutaría.
Prácticamente ya alejado de la pintura realizaría varios dibujos anatómicos basados en disecciones del cuerpo humano de gran presición.
El gobernador francés y protector de Leonardo fallece en 1511 y en septiembre de 1513 el artista es requerido por Giuliano de Médici, quien era hermano del papa León X, entra así en la corte papal en Roma, pero no ejecutaría allí ningún encargo de importancia.
Trabajó para Baldassare Turini como pintor y entre 1514 y 1515 realizará experimentos científicos y recibe el encargo del papa León X para desecar las Lagunas Pontinas, en el sur de Roma, para lo cual realiza un dibujo de la región.
Hacia 1513 utiliza la técnica del Sfumato en su obra "San Juan Bautista".
Leonardo Da Vinci empleó la técnica del Sfumato donde por superposición de numerosas capas de colores ligeros y transparentes se logran infinidad de matices de sombras, que desvirtúan los contornos en delicadas transmutaciones de luz y de sombra, acarreando plasticidad a las figuras reproducidas, aquí los contornos netos y precisos de las líneas de las figuras se alteran se diluyen y se difuminan en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera, quedan afectados por el aire y las características particulares de la humedad y la temperatura y envestidas por la atmósfera por donde pasaría la luz. Leonardo quiere plasmar atmósferas como espacios ocupados por matices y transparencias donde un aura de luz envuelve los objetos, utilizando suaves y casi imperceptibles veladuras, de capas transparentes una sobre otra. En su obra "Juan el Bautista" hacia 1513 utilizará capas de color transparente y las empleará sobre fondos oscuros logrando gradaciones de sombras causantes de que la figura de Juan el Bautista surja de la oscuridad como una figura luminosa, aquí utiliza el claroscuro.
Permaneció en Roma hasta 1516, en marzo de ese año fallece quien es su mecenas Giuliano de Medicis. Posteriormente viaja a Francia a pedido de Francisco I.
Leonardo permanecerá en la corte francesa y vivirá en Cloux por dos años donde se supone se desempeñó como decorador de las fiestas de la corte y realizó experimentos científicos y proyectos de canalización en Sologne.
Leonardo Da Vinci fallece el 2 de mayo en Cloux en ese momento se cree se encontraba junto a él , el rey francés Francisco I .
El discípulo y amigo Francisco Melzi es el que recopilará por medio de los manuscritos de Leonardo el reconocido Tratado de la Pintura hacia los años 1520 - 1530.


Documentales sobre su biografía
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Misterios de la Mona Lisa

sábado, 30 de julio de 2011

Maurits Cornelis Escher


Dibujante y artista holandés. Tras estudiar el grabado sobre linóleo en Arnhem, entre 1919 y 1922 estudió en la Escuela de Arquitectura y Diseño Ornamental de Haarlem. En 1922 se trasladó a Italia, donde fijó su residencia. Viajó luego por Suiza y Bélgica, hasta establecerse definitivamente en la pequeña localidad holandesa de Baarn en 1941.

Beldedere
A esas alturas, la fama del artista no sólo recorría Europa sino todo el mundo; por ello, cuando en 1954 decidió exponer sus trabajos más recientes en Washington, logró vender los más de cien grabados que había seleccionado para la ocasión, algo casi imposible de conseguir en el caso de artistas que apuestan por obra gráfica.

Su progreso en todos los órdenes culminó con la creación de la Fundación Escher hacia el final de su vida, justamente en 1968. Por desgracia, esta institución, nacida para salvaguardar la obra del artista holandés, no fue capaz de evitar la adquisición de la mayor parte de sus fondos por un galerista norteamericano en 1981; posteriormente, ese fondo fue vendido a distintos clientes, lo que supuso la dispersión inevitable de la obra de Escher por diversas colecciones públicas y privadas.
En un principio, Escher se mostró como un heredero directo de la escuela holandesa, con una obra primeriza en la que abundan los paisajes y escenas de las ciudades de ese país y de Italia. En esta época inicial, el holandés era un artista con tendencia abiertamente clasicista o academicista, en consonancia con el momento; sin embargo, su arte comenzó a interiorizarse a lo largo de su prolongada estancia en Italia.

Vínculos de unión
Para estos años había cuajado su particular poética, con figuras de animales que se entrelazan caprichosamente para formar bellos, fantásticos y hasta fascinantes conjuntos, en los que se echa de ver un innegable onirismo; del mismo modo, Escher se dio a la creación de bellos patrones geométricos, en línea con artistas del pasado y otros contemporáneos que habían apostado por ese tipo de arte y su aplicación al diseño industrial (como William Morris o los Delaunay, Robert y Sonia).

Galería de pintura

Al mismo tiempo, Escher comenzó a trabajar en sus ilusiones espaciales, con edificios en los que las escaleras ascienden a la parte baja y descienden hacia la alta en un impresionante juego de perspectivas; del mismo modo, las leyes físicas parecen derrotadas en sus corrientes de agua, que descienden en su subida para caer en sorprendente cascada hasta la que es su propia fuente. En estos y otros exponentes de su arte, la ilusión creada sólo es posible sobre el papel; por el contrario, si hubiese que desarrollarlas en tres dimensiones, sus propuestas resultarían imposible de todo punto.

Los biógrafos de este artista recuerdan la profunda impresión que en él causo su primera visita a España en 1925 y, muy en particular, su contacto directo con La Alhambra granadina; en ella, su decoración geométrica y su característico entrelazamiento presentan no pocos puntos de contacto con la poética escheriana. Todavía en 1936 Escher volvió a Granada y, fascinado como estaba por el arte musulmán, copió muchos de sus motivos para incorporarlos a su propio universo. El influjo hispano-árabe se percibe particularmente en la segunda etapa de su obra geométrica, correspondiente a los años que vivió en Suiza; para estos años, Escher es un maestro consumado en la técnica de composición a modo de teselas, como el llamaba a sus originales ensamblajes de piezas en sorprendente simetría o asimetría.

Manos pintándose

En su particular apuesta estética, Escher se sumó a dibujantes técnicos, arquitectos y teóricos de las matemáticas, como él mismo gustaba de recordar a menudo. Con ellos, reconocía tener mayores puntos de contacto que con la práctica totalidad de los artistas plásticos; con ellos, de hecho, mantuvo una relación fluida que se plasma en su correspondencia privada. Por todo ello, no puede sorprender que, en 1958, Escher llegase a plasmar por escritos algunos de sus principios teóricos.


La obra de Escher, caracterizada pues por el estudio detallado de los efectos ópticos y del motivo decorativo, constituye una de las más originales e idiosincrásicas del siglo XX. Espléndido dibujante, exploró las contradicciones de la perspectiva tradicional en la forma de paisajes e imágenes "imposibles" dotados de una insólita belleza.


Reptiles
Escher, el arte de lo imposible
Animación inspirada en las escaleras infinitas de Escher

domingo, 8 de mayo de 2011

Henri Matisse

Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés. Cursa estudios de jurisprudencia entre 1887 y 1888, en la Universidad de París, que se ven interrumpidos por una larga y grave enfermedad que le retiene en cama hacia 1890. Durante su convalecencia empieza a pintar, y en 1891, ya recuperado, vence la oposición de sus padres y abandona la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde estudia bajo la dirección de Bouguereau. En 1892 entra en el Estudio de Gustav Moreau, en la Escuela de Bellas Artes, donde cursa estudios de pintura durante cinco años. Es allí donde conoce a Rouault y a Manguin. Asiste también a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Decorativas, donde entabla amistad con Marquet.
Conversación bajo los olivos
Su primera exposición data de 1896-97 en el Salón de la Sociedad Nacional. Ese mismo verano conoce a Rodin y Pisarro y se interesa por la pintura impresionista. En 1898 viaja a Londres, animado por Pissarro, y allí descubre la obra de Turner; también visita Córcega y Toulousse. Las obras producidas durante estos viajes son las conocidas como protofauvistas, por la riqueza de su colorido y el grueso empaste; son fundamentalmente paisajes. De vuelta a París, asiste durante algunos meses a las clases de Carrière, en cuyo taller conoce a Derain y a Puy. Descubre en estos momentos a Cézanne (le compra a Vollard las Tres Bañistas).
Se inicia en la escultura siguiendo las enseñanzas de Rodin. En 1901 expone en el Salón de los Independientes y conoce a Vlaminck. Reconoce que la obra de Vlaminck y Derain es cercana a la suya y en 1903 participa en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin. En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, que será adquirido por Signac, donde muestra su interés por las teorías y técnicas del divisionismo, que muy pronto abandonaría en favor de la exaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo.
1905 es el año de la presentación de una nueva tendencia que el crítico Vauxcelles bautizaría como Fauve, es decir, fieras, en el Salón de Otoño. Los Stein adquieren en ese momento la obra Mujer con Sombrero. Su obra Retrato de la Sra. Matisse causa, a pesar de sus reducidas dimensiones, un gran impacto en el Salón debido a la sabia saturación de los colores chillones. Matisse utiliza aquí el color en todas sus posibilidades expresivas.
En 1906 expone de nuevo con el grupo de los Fauves (Manguin, Marquet, Puy, Derain, Van Dongen, Rouault) en el Salón de Otoño y realiza su primer viaje a África, donde le impresionan los trabajos de arte popular, sobre todo los tejidos y las cerámicas. Pinta Naturaleza muerta con tapete rojo. En 1907, por medio de Gertrud Stein, conoce a Picasso y realiza su primer viaje a Italia.
En 1908, ilusionado por transmitir sus ideas a los artistas más jóvenes, abre una academia que sólo mantendría hasta 1911 y realiza su primera exposición individual en Nueva York, en la galería de Alfred Stieglitz. En 1908 pinta su famosa obra Armonía en Rojo, una escena de interior con naturaleza muerta, figura y paisaje visto a través de la ventana, donde Matisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente sólo se reservaba a los desnudos; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje, en el fondo, que se presenta como un preludio de lo que más tarde realizaría en África.
En 1909 recibe del coleccionista ruso Schukin el encargo de pintar dos grandes paneles: La Danza y La Música; la primera, puede ser interpretada cómo una demostración anticubista de como las figuras pueden unirse a través del arabesco y de los intensos contrastes de color contra el fondo abstracto;... las fuentes de este mural son variadas, desde las figuras de los vasos griegos a las imágenes greco-romanas de las Tres Gracias. También en 1910 esculpe su primer altorrelieve, La Espalda 1.
En 1910 realiza una amplia muestra individual en París, en la galería Bernheim-Jeune y viaja con Marquet a Munich para visitar la exposición de arte islámico. En 1911, viaja a Moscú para instalar los paneles en casa de Schukin y conoce los iconos y las artes decorativas bizantinas, que pasarán a ser un elemento esencial en su repertorio estilístico. Es claro ejemplo de ello El Estudio Rojo, en el que destaca la simplicidad del colorido. La superficie del cuadro es mate y plana y representa el estudio del artista, esta vez sin el artista y sin modelo, solamente con cuadros y algunos otros objetos.

La danza (1.910)

Poco después viaja a Marruecos con Camoin y Marquet; pasa en el Norte de Africa los veranos de 1911-12 y 1912-13. Del primer verano data Jardín Marroquí, una composición casi abstracta de verdes y rosas. En 1913 participa con varias obras en el Armory Show neoyorquino y en la Secesión berlinesa. El estallido de la guerra provoca el traslado de él y su familia (se había casado en 1898 con Amélie Parayre, con quien tenía dos hijos) a Collioure, donde conoce a Juan Gris. En 1915 realiza una exposición individual en la galería Montross de Nueva York.
En 1916 pasa el invierno en Niza por primera vez. La placidez y el lujo de la Costa Azul resultan ser muy de su agrado y decide pasar allí la mayor parte del tiempo. Comienza en su obra una etapa de intimismo, con interiores, desnudos, odaliscas y naturalezas muertas como temas predominantes. En 1919 realiza su primera muestra individual en Londres, en las Leicester Galleries. En 1920 colabora con los ballets rusos de Diaghilev realizando las escenografías de obras de Stravinski.
En 1925 realiza un nuevo viaje a Italia y su estilo se hace mas robusto, como muestra Figura Decorativa, que es considerada la obra culmen de la preocupación de Matisse por el desnudo en un decorado oriental: la figura se presenta esquemática y monumental. Empieza a alcanzar un éxito evidente (en 1927 obtiene el premio del Carnegie International de Pittsburg, y vende prácticamente todo en la exposición de Dudensing Gallery en Nueva York).
Data de estos años Odalisca con pantalones grises, donde retoma la temática orientalista fuera del lugar de origen, en el estudio de París. Entre 1929 y 1933 se le organizan exposiciones retrospectivas en Berlín, Basilea, Nueva York y París. Recibe encargos del coleccionista americano Barnes para su fundación en Merion, Pennsylvania. Estos murales retoman el tema de la danza, en un esquematismo que se adapta perfectamente a su función decorativa.
En 1940, tras la derrota francesa, Matisse piensa en emigrar a Brasil, pero finalmente retorna a Niza; en 1941 sufre una grave enfermedad intestinal; tras su recuperación retoma el trabajo con fuerzas. En 1944 su mujer es arrestada y su hija deportada, Matisse se vuelca en su arte. Al finalizar la guerra, expone con Picasso en el Victoria and Albert Museum de Londres; después presenta una gran retrospectiva en el Salón de Otoño de París. Entre 1948 y 1950 trabaja en la decoración de la Capilla del Rosario de Vence (donde residía desde 1944). Se publica Jazz, una colección de reproducciones de los famosos papiers découpés (papeles recortados), acompañados de un texto poético del propio Matisse. La obra más ambiciosa hecha con papeles recortados es La Piscina de 1952, donde las figuras están distorsionadas para crear el efecto de hallarse bajo el agua.
Lujo Calma Voluptuosidad (1.906)
En 1949 vuelve a Niza. El Museo de Lucerna le organiza su primera gran exposición antológica, con más de trescientas obras. En los últimos años de su vida, los reconocimientos a su trabajo se suceden con la concesión del premio de la Bienal de Venecia (1950), la retrospectiva del Museo Nacional de Tokio (1951), la apertura de un museo dedicado a su obra en su ciudad natal y la individual en el Museo de Arte de San Francisco (1952). Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de ochenta y cinco años.
Aunque Matisse sea conocido fundamentalmente como pintor, fue también un excelente escultor y dibujante. A lo largo de su dilatada carrera recibió las influencias de diversos movimientos del siglo XIX (Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Post-Impresionismo) que transformó en un lenguaje moderno. Los maestros a los que más estudió fueron Poussin, Chardin, Watteau, Courbet, Manet y Cézanne. Su posición histórica como iniciador del Fauvismo no debe oscurecer sus logros personales al margen de un movimiento que, en realidad, duró poco y no tuvo programa. Su rival en magnitud e influencia fue Picasso, con quién mantuvo una distanciada relación de amistad y respeto durante muchos años. Los temas principales de su pintura fueron la naturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno (el estudio).